Über 33.000 Leichen ließ das Franco-Regime zwischen 1959 und 1981 aus mehr als 500 Massengräbern in ganz Spanien ins Valle de los Caídos überführen – ein monumentales Mausoleum, das zur Verherrlichung des faschistischen Sieges errichtet wurde. Jahrzehnte später suchen Angehörige noch immer nach den sterblichen Überresten ihrer Liebsten. Drei Familien folgen den Spuren der Verschwundenen und stoßen dabei auf bürokratische, rechtliche und gesellschaftliche Hindernisse, die bis heute bestehen. Ausgehend von den eigenen Recherchen des Regisseurs Manuel Correa als Teil von Forensic Architecture – einer Forschungsagentur, die staatliche und unternehmerische Gewalt untersucht – rekonstruiert der Film in minutiöser Detailarbeit, was das Regime unsichtbar machen wollte. Digitale Karten, Bürgerarchive, offizielle Dokumente und neue forensische Technologien decken auf, was über Jahrzehnte verborgen blieb. So entsteht eine Topografie des Terrors, die das Ausmaß der systematischen Gewalt visualisiert und die unter der faschistischen Monumentalität begrabene Geschichte wieder ans Licht bringt.

Seggen Mikael

Als transmediale Dokumentation, die auf einer dreijährigen Recherche am Fluss Murg basiert, findet dieses Werk eine Form, die vom Fluss selbst inspiriert ist. Bilder und Töne fließen von einem Teil zum nächsten und bilden so eine Dokumentation, die lebendig ist, anstatt in der Zeit eingefroren und an einen einzelnen Bildausschnitt gebunden zu sein. „Becoming River“ besteht aus vielen Teilen, von denen vier hier ausgestellt werden. Zwei 2-Kanal-Videoinstallationen (FLUSSORAKEL und STAU/FALL) teilen sich dieselben Projektionsflächen und laufen in einer Endlosschleife. FLUSSKINO ist eine Auswahl von Dokumentarfilmen, Spielfilmen und Performances, die entlang des Flusses gedreht wurden. HYDROSPHÄRE, eine Skulptur aus Videomonitoren, gewährt Einblicke in den Flusslauf der Murg. Die Klanginstallation SCHWEMMLAND basiert auf Live-Daten, die direkt von einer Sonde an der Murg gesendet werden.

Indem es verschiedene Medien und Einzelprojekte durchläuft und den Fluss in seiner Natur, seinen Menschen und seinen vielen Identitäten dokumentiert, wird dieses Werk zu einer Untersuchung eines Körpers im Wandel der Zeit und der Vielfalt, mit der dieser beschrieben werden kann.

Dana Melaver

Die Rollen an der École nationale d’administration pénitentiaire, kurz ÉNAP, sind klar verteilt: hier die angehenden Justizvollzugsbeamten, da die Lehrerschaft. In seinem Film behält Guillaume Massart diese Trennung auch ästhetisch bei. Zumeist aus der Perspektive der Schülerschaft eingefangen, gewährt „Detention“ einen Einblick in ein Curriculum, das es in sich hat: Wie verschafft man sich unter den Gefangenen Respekt und Gehör? Welche psychischen Belastungen gehen mit der Tätigkeit einher? Können sich die angehenden Wärter*innen in potenziellen Konfliktsituationen tatsächlich rechtliche Vorteile verschaffen? Über die zweistündige Spieldauer von „Detention“ setzt ein bemerkenswerter Effekt ein: Verstimmen die kritischen Stimmen der Schüler*innen nach und nach, wird aus der Perspektive der Zuschauenden das System Gefängnis immer fragwürdiger. Kann auch eine „saubere“ Ausbildung zum Machtmissbrauch anleiten, wenn dieser nicht explizit thematisiert und problematisiert wird? Wie formt eine Uniform? Massart, der für „Detention“ insgesamt ein Jahr an der Schule verbracht und das Training selbst durchlaufen hat, findet eine ganz eigene Tonalität für eine Ambivalenz, die irritiert und beklemmt.

Carolin Weidner

Keren Kraizer verließ Israel mit 20, um in Belgien Tanz zu studieren, aber auch, um ihrem Heimatland und seinen Spaltungen zu entkommen. Ein Besuch bei ihrer Familie Anfang 2023 löst den unerwarteten Wunsch aus, die Verbindung mit ihrer Herkunft wieder aufzubauen – ein ausgesprochen ambivalenter Prozess, den sie in einem Videotagebuch festhalten will. Die entstehenden Wörter und Bilder, mit einem wunderbar intuitiven Gespür für Struktur und Montage aus dem Alltag gezogen, pendeln mit einer dem aktuellen Zustand der Nation geschuldeten Unvermeidlichkeit zwischen dem Persönlichen und dem Politischen: ein Gespräch mit ihrer Mutter über die fehlende Vision eines dauerhaften Friedens; Aufnahmen eines Mannes, der angeschrien wird, weil er während der Proteste gegen Netanjahus Angriffe auf die Rechtsstaatlichkeit eine palästinensische Flagge schwenkt; das herzzerreißende englischsprachige Gedicht, das ihr eine Freundin schickt, die sie auf einer Reise ins Westjordanland kennengelernt hat und die nicht gefilmt werden will; das nächtliche Gespräch mit ihrem neuen Freund bei einem Spaziergang durch Jerusalem über all die Spannungen, die unter der Oberfläche brodeln – ein Gespräch, das sich als düster prophetisch erweisen soll. Denn Kraizers Tagebuch wird schnell von Ereignissen jenseits ihrer Kontrolle eingeholt, und die Ambivalenz wird Angst und Unglauben weichen. Was nun? Wie soll man das Leiden der Menschen eindämmen? „Wir sind diejenigen, die barfuß auf den Fetzen der Hoffnung laufen. Wir haben den Krieg nicht geschaffen, aber wir haben aus seinen Ruinen Gedichte geformt.“

James Lattimer

Dichte Rauchschwaden steigen am Horizont auf. Öl sprudelt aus dem Boden. Die Kiemen eines toten Fisches sind schwarz. Eine sonore Stimme trägt ein Gedicht über Blut, Wut und die ölvergiftete Landschaft des Nigerdeltas vor. In den Refrain stimmt eine Menschenmenge ein. Schriftsteller und Aktivist Nnimmo Bassey protestiert seit Jahrzehnten gegen die Ölförderung im Süden Nigerias und ihre Folgen für Mensch, Natur und Landwirtschaft. Besonders betroffen sind die Ogoni, eine ethnische Minderheit in der Region, deren Lebensgrundlage existenziell bedroht ist. In den 1990er-Jahren organisierten sie eine starke politische Bewegung, die durch die Militärregierung gewaltsam unterdrückt wurde – auch im Interesse westlicher Ölkonzerne. Wie lässt sich unter diesen Umständen politischer Widerstand leisten? „Hope Is a Word“ porträtiert einen Mann, der an die Kraft der poetischen Sprache glaubt. Nnimmo Bassey gelingt es mit seinen Workshops, eine neue Generation an rhetorisch und literarisch begabten Aktivist*innen zu mobilisieren. Wenn sie lesen, rappen oder rezitieren, setzt der Film ihre Worte demonstrativ ins Bild. Hier wird Poesie zum politischen Werkzeug. Denn aus einem Vers kann ein Ruf werden. Einer, dem andere folgen.

 

Jan-Philipp Kohlmann

Auf der Isla Tibaguin auf den Philippinen verwandeln sich die Straßen fast täglich in Flüsse. Umweltkatastrophen können viele Formen annehmen, und diese immersive Dokumentation begleitet eine sich langsam entwickelnde Klimakrise, die täglich und stetig stattfindet. Das Wasser steigt überall auf der Isla Tibaguin an und es dauert Stunden, bis es wieder zurückgeht, sodass die Bewohner*innen durchs Wasser waten müssen. Kochen, putzen, lernen – alles im Wasser. Der Film begleitet Riri und Angie dabei, wie sie ihr Leben mit und inmitten des Hochwassers meistern, und unterstreicht dabei die Bedeutung der Gemeinschaft angesichts klimatischer Instabilität und Unsicherheit.

Durch den Einsatz eines immersiven Mediums kann das Publikum diese spezielle Klimakatastrophe hautnah miterleben und die damit verbundenen Ängste nachempfinden. Mit Hilfe des Virtual-Reality-Headsets erhalten die Zuschauer einen Eindruck davon, wie es ist, sich mitten im Hochwasser zu befinden – auf eine Weise, die zweidimensionale Medien nicht nachbilden können. Indem der Film die Intimität der VR nutzt, lässt er eine langsame und eher unsichtbare Katastrophe als den Notfall erscheinen, der sie tatsächlich ist.

Dana Melaver

Wie viel schwarzen Humor braucht es, um dem Grauen zu trotzen? „The Masturbator – The Adventures of Edgar Hilsenrath“ taucht in die radikale Welt des Schriftstellers und Holocaust-Überlebenden Edgar Hilsenrath ein. Einer der ersten, die es gewagt haben, dem Trauma mit Groteske und hemmungslosem Lachen zu begegnen. Zwischen Animation und historischem Archivmaterial folgt der Film Hilsenraths Alter Ego aus seinem Roman „Fuck America“: einem mittellosen, sexbesessenen Schriftsteller im New York der 1950er-Jahre, der verzweifelt versucht, seine Erinnerungen an das Ghetto unter dem Titel „The Masturbator“ zu veröffentlichen. Schreiben wird zur Obsession, zur Provokation und zum Überlebensakt. 1926 in Leipzig geboren, führte Hilsenraths Weg durch Nazi-Deutschland, die Bukowina und das Ghetto von Transnistrien, über Palästina und Frankreich nach Amerika und zurück nach Europa. Eine Reise durch Orte des Verlusts, der Hoffnung und Enttäuschung. Eine Reise durch ein Jahrhundert, in dem die Gespenster des Faschismus immer wiederkehren. Burleske Animationen prallen auf rohe reale Bilder. In dieser Reibung entsteht das Porträt eines Künstlers, der mit seinen Büchern international Erfolge feierte, doch in Deutschland in Vergessenheit geraten ist. „The Masturbator“ verbindet Biografie, Erinnerung und Gegenwart zu einem ebenso verstörenden wie befreienden Film über die Kraft der Satire und die Notwendigkeit, dem Vergessen zu widersprechen.

Ola Staszel

Wie auf Autopilot gehen Passant*innen denselben Weg; ein Tag gleicht dem anderen. Bis eine überraschende Begegnung diesen Alltag durchbricht. Im Hauptbahnhof verbirgt sich eine geheime Welt, die unserer eigenen unheimlich ähnlich ist, aber gerade genug davon abweicht, um unsere Realität ins Wanken zu bringen. In diesem unscheinbaren Monolithen verbirgt sich ein Tor zu einer anderen Welt – oder vielmehr eine Geschichte, die sich vor dem Hintergrund einer veränderten Realität abspielt. Die Betrachtenden erleben, wie ihre eigenen Körper verzerrt werden, und machen eine seltsame Begegnung. Und dann, am Ende, beginnt der Kreislauf von Neuem.

Mit einem einzigartigen immersiven Ansatz spielt das Werk nicht nur mit unserem eigenen Körpergefühl und der Gestalt der Realität, sondern auch mit dem Körper und der Gestalt der virtuellen Realität. Indem es die virtuelle Immersion in Gestalt einer reflektierenden Skulptur entwickelt (anstelle eines Headsets), öffnet das Werk die Tür zu Portalen in verschiedensten Formen und Größen. Haltet Ausschau nach dem Unbekannten und taucht ein ins Unerwartete.

Dana Melaver

Das einzig Beständige im Leben ist die unumstößliche Gewissheit des Verfalls. Verwesung ist nichts anderes als Veränderung, und nichts auf dieser Welt ist vor dem Verfall gefeit – auch digitale Bilder nicht. Doch gerade ihre Vergänglichkeit macht die Aufnahmen umso kostbarer, und dieses Werk möchte die Schönheit, die darin liegt, hervorheben. Verfall ist unvermeidlich, und hier liegt dessen Tempo in den Händen der Besucher*innen.

Anhand von Fotos aus öffentlichen Quellen hinterfragt das Werk zudem das digitale Archiv. Ist das Archiv ein Ort der Beständigkeit oder lediglich ein Zustand des langsamen Verfalls? Die Bilder sind von öffentlicher Bedeutung, haben für das Publikum jedoch keinen sentimentalen Wert, daher hat ihr Verfall keine persönliche Tragweite. Dieses Verhältnis könnte sich jedoch ändern, sobald Besucher*innen ihre eigenen Fotos hochladen und Zeugen ihres Zerfalls werden...

Dana Melaver

Ein dunkler Raum ist so viel mehr, als man auf den ersten Blick vermuten würde. Mit Geduld und Neugierde erwacht er zum Leben. Zwischen vier Wänden befindet sich ein kubanischer Haushalt, voller Gegenstände, die über Generationen weitergegeben wurden und Erinnerungen an die Hände bewahren, die sie einst hielten. Während man durch den Raum geht und mit den Objekten interagiert, erwacht der Ort zum Leben. Die Besucher*innen können in ihrem eigenen Rhythmus ihren eigenen Weg durch die stillen Zeugnisse dieses Lebensraums gehen, um verborgene Momente zu enthüllen, die nur darauf warten, gefunden zu werden.  

Im Verlauf des Stücks läuft eine Uhr einen Tag im Zeitraffer ab, und der Raum wandelt sich langsam, stetig, fast unbemerkt von den 1980er-Jahren zu den 1990er-Jahren und darüber hinaus. Die Zeit vergeht hier anders. Es ist ein Werk, das im Dazwischen lebt. In dem schmalen Raum, der die Grenze zwischen dem Physischen und dem Virtuellen auslotet, und in den Rissen, die Tage, Jahre und Jahrzehnte voneinander trennen. Genau dieses Dazwischen schafft Portale und die Möglichkeit, durch eine Tür in eine Vergangenheit zu treten, die auf eine Berührung wartet.

Dana Melaver

New York City ist die Stadt, in der alles möglich ist – auch dass du nur einen Gehaltscheck davon entfernt bist, pleite zu sein. So geht es den Arbeiter*innen von Amazon, UPS und verschiedenen Liefer-Apps. Täglich liefern sie Millionen Pakete und Bestellungen in der Stadt aus, doch bleiben als Menschen hinter dieser Arbeit oft unsichtbar. Nach den Oscar-prämierten Filmen „Harlan County, USA“ und „American Dream“ vervollständigt „Union Town“ Barbara Kopples Trilogie über Arbeitnehmer*innenrechte. Über drei Jahre begleitet sie die Arbeiter*innen in ihrem Kampf gegen einige der mächtigsten Konzerne der Welt. Während UPS-Fahrer*innen und Amazon-Beschäftigte auf Streiks und gewerkschaftliche Organisierung setzen, versuchen auch die überwiegend migrantischen Fahrradkurier*innen der Liefer-Apps, sich zusammenzuschließen. Sie alle kämpfen für gerechtere Löhne, sichere Arbeitsbedingungen und die Anerkennung ihrer Arbeit. Für die Konzerne sind sie entbehrlich, doch als Union geeint lehnen sie sich auf. Zwischen Existenzangst, familiären Sorgen und dem Mut zum Streik zeigt sich, was Solidarität und Gemeinschaft bewirken kann.

Seggen Mikael